Почему кажется что музыка играет быстрее
Почему заниматься музыкой так чертовски тяжело?
У каждого человека, вдруг решившего начать заниматься музыкой, возникают довольно стандартные вопросы, например:
Вопросы элементарные! Сложнее будет объяснить, в какие дебри человек ступает уже по ходу занятий музыкой. Но, как говорится, назад дороги нет.
Проще всего показать путь музыканта в виде графика – о нем мы и поговорим в сегодняшней статье. Из нее вы узнаете об определяющих факторах, которые помогут вам в развитии себя как музыканта и уберегут от ошибок при занятии музыкой.
График ниже – наш компас
Ступень I: Я счастлив, что у меня получается
Длится в среднем пару месяцев, в течение которых новичок исследует самоучители и видеоуроки в интернете. Уже спустя пару недель будут выучены три моднейших аккорда, чем новичок будет гордиться! Потом падут и более сложные вещи, типа барре. Для опытного музыканта все это смешно, но для новичка – целый мир и огромный резкий прогресс.
Ступень II: Я отчаялся
Спустя некоторое время новичок понимает, что он на самом деле полный ноль. Совсем непонятен вектор развития и какие вопросы задавать в Google, чтобы продолжить учиться дальше.
Ступень III: Я потерялся
Путь в никуда. Новичку кажется, что любая видеошкола определенно верна. Наступает этап «информационного голодания», когда информации тьма, но вычленить что-то одно очень сложно.
Ступень IV: Я развиваюсь
Новичок наконец-то вышел из пустыни и подходит к оазису. Техника игры хромает, как и теория, но растет уверенность в себе. Теперь новичку понятен тот самый вектор развития – и он к нему стремится. Захочет сменить направление? Сменит и начнет сразу с 4-го пункта, а не с 1-го.
Схема немного утрирована, но подобное проходил каждый музыкант, хоть и неосознанно. Музыканты-самоучки часто попросту бессистемно дрейфуют по волнам – в чем-то терпят неудачу, в чем-то – становятся лучше. Иногда в один день изучают основы блюза, а в другой день пытаются начать играть прогрессив-метал.
При занятии музыкой вполне реально сначала получить психологическую травму и стать социопатом, а затем подавить в себе все это. Шутка, но довольно знакомо, не так ли?
Как преодолевать ступени?
Ступень I: Я счастлив
Ответьте себе на следующие вопросы: зачем вы начали заниматься музыкой? Какие у вас цели? Чему хотите научиться? На кого хотите быть похожими?
Поймите, что музыка штука сложная. Она как собачка – любит ежедневное внимание. Следовательно, если музыке не уделять достаточно времени, то никакого результата не будет – вы так и останетесь на первой фазе. Ответите на вопросы – сократите для себя первую ступень.
Хотите играть в рок-группе – изучайте рок-музыку.
Хотите играть на трубе в джазовом квартете – изучайте джаз.
Хочется поиграть на гитаре во дворе, чтобы понравиться Танюхе со двора – не покупайте Gibson за 70 000 рублей.
Так вот, мы отвлеклись от нашего графика.
Когда вы подходите к концу 1-го этапа – у вас уже достаточно практики за спиной и с каждым днем все меньше пробелов в теории. Поздравляем, вы растете (но приближаетесь к бездне)!
Ступень II: Я отчаялся
На втором этапе большинство начинающих музыкантов посещает разрушительная мысль: «Да ну, это не мое. Не буду заниматься музыкой». Теперь вы решили написать свою собственную мелодию, ведь опыт уже позволяет! Вы сели за запись и… ничего. Вы не можете написать ровным счетом ничего!
Добро пожаловать на второй этап! Главное его переступить, ведь он очень короткий и при этом очень важный.
Спустя некоторое время у вас худо-бедно получается написать какую-нибудь мелодию. Вы даже начинаете слышать, что чего-то не хватает. Делаете запрос в Google «Как написать песню» или «Как научиться импровизировать?». Казалось, скоро будет готов шедевр, но в итоге стало еще хуже. Уверенность тает на глазах.
Вторую стадию прекрасно видят профессионалы и преподаватели, потому что они буквально за несколько недель, если не дней, смогут вытащить вас из 2-й ступени. Но если никакой поддержки нет, то большинство новичков разбиваются о скалы. Выход из 2-й ступени довольно прост: найдите себе наставника, преподавателя или хорошую видеошколу. Со временем вы доберетесь до «самого вкусного» и пулей вылетите на 3-ю ступень.
Но не спешите радоваться! Дальше – еще хуже.
Ступень III: Я потерялся
Когда вы постигните самые азы и точно будете знать, что именно вам нужно, то вы начнете искать новую информацию. Но…
…чем больше вы знаете, тем сложнее будет найти новую информацию!
Ступень №3 очень похожа на лабиринт, из которого есть выход, но добраться до него чертовски сложно. Лабиринт огромен и опасен!
Представьте, что вы ищите информацию о том, как строить аккорд или из чего состоит гамма. В итоге вы находите, на первый взгляд, хороший видеоурок, но вся информация на видео строится по принципу «берем указательный палец и ставим на первую струну первого лада». Вы выучите гамму, да, но не сможете ее применять, так как в видеоуроке не объяснили, как ее применять и зачем она вообще нужна. Затем вы находите видео о применении гамм, но автор рассказывает все академическим языком и вам ничего непонятно.
Понимаете суть? Информацию вы нашли, но не можете понять все – вы потерялись. Вы не знаете, как двигаться дальше, так как все основы уже пройдены и освоены.
Лабиринт – штука сложная, но мы дадим пару советов, как его преодолеть:
Сборников уроков очень много, но не все о них знают. Все перечисленное выше имеется в интернете в свободном доступе.
Последний совет, чтобы выбраться из лабиринта: учитесь работать с информацией. Иногда один блогер трактует вам, что «ВОТ ТАК» играть не нужно, а другое говорит, что играться нужно только «ВОТ ТАК». Но в итоге и у первого, и у второго на канале имеется море полезной информации.
В голове резонно возникает вопрос – «А кого слушать тогда?».
Ответ прост: сами выбирайте свой путь, не пугаясь ошибок.
А какой путь тогда верен? Неизвестно. Мы лишь можем порекомендовать некоторых музыкальных блогеров, которые смогут указать вам путь. Подробнее тут.
Ступень IV: Я развиваюсь
Как понять, что вы на 4-й ступени?
Все просто – вы понимаете все, что вам говорят и о чем пишут в книгах. Возможно, вы стали зарабатывать на музыке или прекрасно освоили какое-либо направление. Вы максимально уверены в своих способностях.
Вы хороши в своем деле, но теперь вы знаете, чего вы не знаете и чего вы не умете – это главное отличие от третьей ступени. 4-я ступень не имеет конца, ведь учиться можно всю жизнь. Сначала будет казаться, что вы все еще на 3-й ступени, так как гениальные идеи будут смешиваться с глупейшими ошибками. Правда, теперь вы будете видеть эти ошибки и оперативно устранять их.
Если чувствуете, что должны уже стать профессионалом, но иногда всплывают какие-либо ошибки, то не переживайте – вы их быстро устраните. В будущем вы обязательно станете профессионалом – столько сил не могут быть потрачены впустую.
В качестве итога
Теперь вы в курсе, как тяжело начать заниматься музыкой. В принципе, те 4 ступени подходят под любое дело – от музыки и программирования до учебы в университете и изучения иностранных языков.
Как не бросить все на пути к IV ступени развития?
Может ли любой человек стать виртуозом?
Талант не дается при рождении. Талант вырабатывается с годами путем упорных занятий. Конечно, за год вы не станете даже уверенным середнячком – на это потребуется минимум 3-4 года.
Но ведь даже уверенным середнячкам не закрыт путь на сцену и на популярность в своей локации или даже за ее пределами. Поэтому, если грамотно заниматься и точно знать свои цели, успех вам гарантирован!
Почему трек не звучит профессионально? Или как писать музыку
7 Причин, почему Ваш трек НЕ звучит «НА УРОВНЕ»
В последнее время слишком много «размытостей» на обосоленные темы сведения, гармонии, синтеза, дается начинающим, как в обучающих видео, так и информативных статьях, в сфере продакшена музыки.
Так давайте же покончим с самыми больными и «непреодалимыми» проблемами у начинающих музыкантов в сфере написания музык.
1) Вы не понимаете гармонию
Ну или Вы не до конца понимаете все тонкости понятий лада и тональности.
Если Вам говорят, что Ваша музыка звучит не красиво и даже раздражающе, то, ВО-ПЕРВЫХ, ЭТО ТАК, а во-вторых скорее всего Вы пока еще болеете самой основной и частой проблемой всех новоиспеченных музыкантов – не пониманием гармонии и музыкальной теории. И это нормально 🙂
Для того, чтобы владеть нотами и строить красивые мелодии и аккордовые прогрессии, нужно знать простые правила взаимодействия этих нот и как ими пользоваться.
Без этих знаний у Вас так и будет всегда получаться не гармоничная каша, только убивающая УШИ и ДУШИ ваших слушателей и случайных жертв…
Все основные правила взаимодействия нот для построения красивой и музыкальной гармонии я собрал для Вас В ЭТОЙ СТАТЬЕ!
2) НЕ грамотно написанная аранжировка.
Огромная и очень распространенная проблема даже у профессионалов!
Потому что качественная аранжировка — это сразу много вещей:
Композиция, в том числе и электронно-танцевальная, всегда составляется из инструментов, которые в свою очередь занимают СВОЮ особенную активную позицию на определенном регионе всего частотного спектра.
И богатое звучание всего микса – это, часто заслуга именно правильно подобранных инструментов по регистрам (высотам и регионам частот).
Не маловажный момент и взаимодействие тембров (окрас и характер звука) между собой – комбинации характеров звучания. Какие-то работают лучше, какие-то между собой вообще не приживаются.
К примеру, если у вас очень насыщенный частотный спектр и богатое звучание партии Drop и без Lead партии, то будет скорее всего лишним подобрать на Lead инструмент – богатую в спектре жирную супер пилу (Supersaw) – лучше взять на роль Lead тембра, в этой ситуации, тонкий скрежет или пронзительную режущею пилу \ квадратоиду.
Важно, что инструменты говорят и как их фразы взаимодействую друг с другом образуя композицию.
Здесь включается в игру пройденный этап гармонии и ритмики. И гармония, и ритмика всех инструментов должны сливаться вместе очень гармонично и слаженно, давая ясную и понятную для слушателя основную тему, и идею.
Инструменты должны не просто следовать друг за другом постепенно сменяя друг друга и возвращаясь обратно, один добавляясь, другой уходя – таким образом сменяя контекст и давая что-то содержательное, но и делать это плавно и интересно для слушателя,
С этим помогают плавные фильтрации, автоматизации, различного рода иные модуляции параметров, отдельные инструменты и звуковые эффекты (по типу Raiser или Build Up). А самое главное ритмические и гармонические приемы в аранжировке самих инструментов, для их же развития.
Это самый лучший «клей» для гладкой склейки и нити для красивого сшития отдельных частей аранжировки в переходах.
Что это конкретно такое?
А это все звуковые эффекты для перехода (по типу Sweep In & Out Fade In & Out), это Fill партии из имеющихся элементов в треке или нововведенные в аранжировку (Ударные сбивки), это сами по себе инструменты из мира музыки (Crash и Re-crash – для вступления и перехода) и еще куча подобных реверсивных и вступительных элементов.
Это все, что помогает частям аранжировки перейти из предыдущей части и вступить в новую.
Что бы быстро и профессионально постичь все тонкости красивой аранжировки – просто берем и воссоздаем в своем секвенсоре композиции свои кумиров и те стили, что Вам нравятся больше всего. По сей день это самый быстрый способ для начинающих, научиться писать треки профессионально и получить свой авторский штрих!
* Важная сноска здесь – это у каждого стиля в электронной музыки могут быть свои очень разнообразные традиции и особенности в аранжировки – в каждом из вышеупомянутых пунктов.
3) Не правильно выставленный баланс инструментов вашего трека (уровни инструментов трека)
Это проблема относиться уже к части сведения и является ее ПЕРВОСТЕПЕННОЙ задачей – БАЛАНСИРОВКА уровней элементов композиции.
Если одни инструменты выставлены сильно вперед, перед слушателем (т.е. звучат относительно громко), а другие подавлены громкими инструментами и практически не слышны в общей массе аудио потока, то о красоте и музыкальности композиции говорить точно нельзя!
Но это далеко не так. Помните, что на первом плане так же сильно и отчетливо должны быть заметны Kick линия и Bass линия как минимум, и так же вокал если он имеется наряду с Lead партией.
Все подробности, а также как правильно и профессионально начинающему выставлять баланс инструментов в своей электронной композиции я ПОВЕДАЮ В ЭТОЙ СТАТЬЕ.
4) Не хватает КАЧА!
Если Вы не так давно увлекаетесь написанием электронной музыки и Вы УЖЕ часто задаете себе вопрос: «из-за чего мои творения не «качают», так замтено, как это слышно у всех звезд EDM арены?», вероятно Вы пока еще просто не осознали наиболее важную составляющую в обработке и аранже инструментов в EDM композиции; в подавляющем большинстве стилистик с прямым ритмом (Trance, House, Techno и подобных жанрах) на большинстве основных синтезаторах и инструментах (Leads, Basses, Arps, Pads, Hi Percussion) часто применяется особый спецэффект, как Sidechain (компрессия через бочку или самая обычная автоматизация уровня громкости – «прогиб» инструментов под прямой ритм бочки).
Сегодня это уже не столько разрешает конфликт с киком (давая место на прямых долях только ему), сколько создает спецэффект который так и называется «КАЧ». Именно он и дает всей композиции специфичный грув или пампинг а, помимо этого, отчетливость и мощь бочке (Kick).
5) Трек звучит грязно
Эту характеристику композиция приобретает, если инструменты подобраны не совсем по регистру, не грамотно или ЧАЩЕ ВСЕГО, не сведены частотно в аккуратный микс.
В начале статьи, во втором пункте я упомянул, что каждый элемент и инструмент должен преобладать в композиции на своем регионе частот, в общем слышимом спектре от 20 герц до 20 килогерц, а если и есть пара инструментов, которые преобладают и делят свои права на частотном спектре, то их право быть услышанными делиться:
— во времени (ритмически или последовательно), самый удачный пример это бочка и бас – каждый раз, когда звучит бочка, бас элементы стоит приглушать свою амплитуду, чтобы не вызвать завалы или провалы на низких частотах.
— частотно, спектр одного в какой-то области уступает другому (из них выбирается более преобладающий, который, как правило, занимает больше и из него мы и вырезаем (убавляем) участок, который мы и уступаем младшему элементу).
— амплитудно – оба инструменты жертвуют своей амплитудой за право быть услышанными в миксе, сюда, как и, частично, в предыдущий пункт относиться лееринг (это- склейка двух или более тембров вместе, для получения более плотного и богатого звучания).
Грязь и конфликты, чаще всего могут быть заметны на низких (20-200 герц) и низких средних частотах (200-500 герц).
Так как стоит помнить один простой закон: «Чем ниже мы спускаемся по частотному спектру, тем меньше гармоник там может уместиться, следовательно, тем меньше инструментов этот регион может в себя поместить.
И в действительности если вы посмотрите на анализатор спектра во Fruity Parametric EQ 2 – то все станет понятно.
6) Трек звучит сухо и безжизненно.
Инструментам нужно пространство.
Нашим ушам, по природе хочется слышать звуки в пространстве, а не глухой комнате без отражений.
Тем более, композиция приобретает больше жизни и объема, кучу дополнительных положительных характеристик, когда мы поддаем обработке наши инструменты в треке, плагинами типа Reverb и Delay Chorus и подобными вещами.
Эти плагины работают на принципе задержки и отражении звука во времени, то есть они просто копируют существующих сигнал через время – создавая эффект нахождения его в пространстве и объеме. Но они все работают немного по-разному.
В умеренном кол-ве примененные такие эффекты отлично скажутся на многих типах тембра (Lead, Pluck, Pad, Arps, Vocals, высокая и среднечастотная перкуссия и ударные), за исключением низкочастотных инструментов, не стоит обрабатывать такими вещами Kick и Bass элементы, к примеру– так как это нарушает их отчетливость и низкочастотную сердцевину в композиции.
7) Трек звучит тихо. А я хочу, чтоб «мясо долбило»!
Если ВАШ трек кажется тихим и сильно отличающимся от формата звучания треков на радио и профессиональных лейблов – то самый ожидаемый ответ – это у трека пока нет этого самого «форматного звучания».
Про «формат» поговорим через мгновение, но достаточно громкого звучания можно достичь еще на этапе сведения, вытягивая уровни необходимых и самых ответственных элементов микса, компрессорами, делая плотнее их спектр активных частот и соответственно делая громче весь микс…
И это достаточно адекватный подход к сведению композиции, в жанрах электронной танцевальной музыки, и можно достичь достаточно впечатляющих результатов в громкости композиции таким способом.
Но конечно же в первую очередь «форматное звучание» треку дает такой процесс в звукорежиссуре как МАСТЕРИНГ.
Начинающим я бы не советовал пока заморачиваться на счет МАСТЕРИНГА самим, так как это дело действительно требует очень много опыта и знаний в этой области, и главное адекватной аппаратуры и правильного помещения для получения стоящего результата в «формате звучания».
Для получения громкого и плотного звучания Вашей работы я бы советовал производить временную или реверсную «максимизацию на дорожке «мастер».
Максимизация – это процесс доведения среднеквадратичного значения громкости и мощности аудио до максимально громкого, в пределах разумного и адекватного звучания, конечно же.
Этот процесс проделывает уже такая широко известная категория плагинов, как «Максимайзеры» (что есть на самом деле просто своеобразные умные лимитеры).
Напомню, что пользоваться ими нужно без фанатизма и не доводить свой уровень громкости до нереально громкого!
Вот 7 наиболее слабых областей в продакшене всех начинающих музыкантов, работающих не только в жанрах электронной музыки.
Что бы постичь все сферы написания музыки профессионально и намного детальнее, статьи будет как минимум мало, тут даже книги скорее всего может не хватить!
Но если ВАМ интересен Ваш рост и развитие как EDM музыканта и продюсера, то все эти знания я собрал для Вас в подобном и пошаговом видео курсе, по созданию Progressive House трека с нуля и до полноценной «форматной» композиции!
За подробностями ЖМЕМ СЮДА.
Как музыка влияет на учеников и почему её стоит использовать на уроках?
А вы в курсе, что большинство ваших учеников слушают музыку, выполняя домашние задания? Вот несколько причин, почему они это делают!
Общеизвестно, что музыка способна повлиять на эмоциональное состояние человека, его поведение и ощущения. Она стимулирует практически все части мозга, оказывая удивительное воздействие на наши способности, в том числе и на способность учиться.
Недавние исследования показывают, что музыка может помочь во многих аспектах работы мозга, включая уменьшение боли, снятие стресса, тренировку памяти и даже лечение травм. Так почему же такой мощный инструмент воздействия до сих пор не используют педагоги?
В этой статье мы собрали несколько фактов о том, как музыка влияет на ваших учеников и почему её просто необходимо использовать на уроках.
Музыка улучшает память
У каждого человека есть такая песня, услышав которую он погружается в воспоминания. Это одно из удивительнейших свойств музыки — она обладает уникальной способностью улучшать механизмы памяти.
Сила музыки настолько велика, что проникает в самую глубину человеческого сознания, мгновенно вызывая ассоциации, связанные с тем или иным моментом в жизни. И как только человек слышит знакомую песню, воспоминания о событиях прошлого возвращаются с невероятными деталями.
Так почему бы не использовать это свойство музыки на уроках? Если впереди сложная тема, которая требует максимум концентрации и внимания учеников, помогите им лучше ее запомнить с помощью музыки. Создайте ту ассоциацию, которая будет возникать у учащихся каждый раз, когда они будут слышать вашу мелодию.
Музыка улучшает концентрацию внимания
Что происходит с учеником, когда, в процессе выполнения домашнего задания, начинает играть его любимая песня?
Его концентрация внимания значительно возрастает, поскольку он сосредотачивается и на задании, и на элементах песни одновременно. Этот улучшенный фокус происходит потому, что музыка — одна из немногих вещей в этом мире, которая стимулирует весь мозг, а не только его часть.
Это преимущество педагог может использовать на собственных уроках, ведь научно доказано, что ребята, использующие музыку во время учёбы, запоминают и усваивают больше информации.
Правильно подобранные музыкальные композиции способны эффективно устранить отвлекающие факторы и заставить учащихся сконцентрироваться на выполнении конкретного задания.
Музыка увеличивает творческий потенциал
Фоновая музыка помогает детям совершенствовать личное творчество. Вместо того, чтобы работать в идеальной тишине, попробуйте включить музыку на заднем плане. Это стимулирует появление новых идей и креативных решений, а также создаст подходящую атмосферу для творческой работы.
Однако важно, чтобы громкость фоновой музыки не превышала 70 децибел. Какой бы веселой или расслабляющей ни была песня, слишком большая громкость будет только отвлекать ваших учеников от задания.
Музыка может повысить IQ
Исследования показали, что ученики, которые регулярно слушали музыку или играли на музыкальных инструментах, смогли развить более высокий вербальный IQ, чем дети того же возраста, которые не подвергались воздействию музыки.
В эксперименте, проведенном Йоркским университетом, дети в возрасте от 4 до 6 лет приняли участие в компьютерной обучающей программе с анимированными проекциями и красочными мультфильмами.
Во время программы одна группа была подвержена воздействию музыки, а другая — нет. Результаты эксперимента были ошеломляющими: дети, которые регулярно слушали музыкальные композиции, запоминали слова, анализировали информацию и вели рассуждения значительно лучше, чем те, кто проделывал то же самое в полной тишине.
Музыка помогает совладать с собой
Вы когда-нибудь задумывались о том, почему музыка играет в магазинах и торговых центрах? Всё просто! Она способна повлиять на сознание человека и внушить ему то, что он должен чувствовать в определённый момент.
Если этим пользуются в сфере маркетинга, то почему бы не попробовать эту методику в образовании? Например, медленная и спокойная музыка поможет учащимся совладать с собой перед трудной контрольной и избавиться от лишнего стресса. И наоборот, быстрая и энергичная музыка поможет ребятам взбодриться и настроиться на физическую активность.
Музыка улучшает продуктивность
Еще один замечательный факт влияния музыки на человеческое сознание — это то, что она способна повысить производительность. Как думаете, сколько задач смогут решить ваши ученики, если вы включите им фоновую мелодию?
Многолетние исследования показали, что музыка стимулирует рецепторы человеческого мозга, тем самым повышая выделение адреналина. Это способствует увеличению умственной концентрации и повышению уровня физической энергии, не говоря уже об улучшении настроения и общего самочувствия.
Музыка может улучшить ваше мышление и развитие моторики
Общеизвестно, что маленькие дети лучше запоминают информацию, если она сочетается с музыкой. Чтобы улучшить координацию движений юных учащихся, педагоги часто строят занятия на разных активностях, в которых всегда присутствует музыкальное сопровождение.
Ритмы песни в сочетании с физическими действиями помогают мозгу быстрее формировать воспоминания об этом моменте, таким образом развивая детскую моторику и память.
Вам слово: Уважаемые учителя, а вы готовы попробовать провести «музыкальное» занятие? Или вы являетесь сторонниками «гробовой тишины» в классе? Делитесь мнениями в комментариях!
Подпишитесь и мы будем присылать вам статьи на почту